2010/05/28

ESTRENO: "DESEO"


Os traigo nuestro nuevo cortometraje. Estrenamos para toda la red, para vosotros los visitantes y espectadores seguidores de nuestra productora, nuestro cortometraje número 24, "Deseo". Todo un homenaje del cine negro de los años 40 del Hollywood clásico. Un proyecto que ha costado una larga post-producción de 3 meses, y una historia muy personal que quería contar. "Deseo" está interpretado por Beatriz Gómez Leal, Marco Durán Santos, la voz de Joaquín Escriña y la aparición estelar de Esteban Somosierra. Espero que como siempre os guste, opinéis si os apetece y no olvidéis pinchar la pestaña de 720p (HD) en Youtube para verlo en la máxima calidad posible en alta definición. Muchas Gracias anticipadas a todos. Dejo los links abajo con varias chucherías, tenéis el corto, un extenso reportaje escrito sobre la realización, influencias del corto. La opción de verlo en Dailymotion (También en HD) para quien le interese, y la banda sonora que os la dejé hace unos días. Extras en vídeo, quizás un poco más adelante, no he tenido tiempo de preparar nada. He aquí la Sinopsis:


Sinopsis: Sinopsis: West City 1940. Son las 1:45 AM. No se puede mirar atrás entre la niebla y los disparos ensordecedores. Sam Gordon, un detective privado convertido en asesino a sueldo debido a su complicada situación en la ciudad, se ve envuelto en una extraña persecución cuando le asignan proteger a una enigmática e hipnotizante mujer. Para escapar de sus perseguidores, Sam y la misteriosa mujer, se resguardan en una habitación con vistas a una ciudad que ha olvidado la ley de la paz para silenciar con miedo y sangre.

FICHA:
Año: 2010
Duración: 6 min. aprox.
Dirección y guión original: Luigi R.p.
Ayudante de producción y casting: Esteban Somosierra/ Beatriz Gómez Leal


Cortometraje "Deseo":

.Versión Online:

.En Youtube (HD): VER AQUÍ
.En Dailymotion (HD): VER AQUÍ


CONTENIDO EXTRA:

. "Deseo": Así se conjuga un deseo : AQUÍ
. Banda Sonora del cortometraje : AQUÍ



2010/05/26

"La dama de Shanghai": Tiburones que se devoran entre ellos

Seguimos a contrareloj con el mes del cine noir en el rinconcito de cine. Hoy toca, otro clásico de los años cuarenta, una joyita que va calando poco a poco, como las grandes obras, hasta que hipnotiza por completo con su total puñetazo directo al espectador. La franqueza, frialdad de la mano de un maestro como Orson Welles (dejando imprenta de su cine aquí más que nunca), se deja ver en la que nuevamente, sea la película más atípica y quizás expresionista película del cine negro, "La Dama de Shanghai". Orson Welles es un hombre corriente que entra a trabajar en un yate a las órdenes de un hombre inválido casado con una mujer fatal -Rita Hayworth-, y queda atrapado en una maraña de intrigas y asesinatos. Con esta premisa, el libreto del propio Welles (basado en una novela de Sherwood King) ya podría definirse la impecable historia de la película. Un argumento muy Hitchcockniano (mucho antes de que le diera la fama el director Inglés) donde un hombre se ve envuelto en un sin fin de problemas y cae sin reparo en una espiral sin medida por culpa, como suele ser habitual en el género, del amor, de una femme fatale que lleva el peso del carisma, del arrebatamiento y de la dualidad del film. Y más, cuando se trata de Rita Hayworth, una actriz que enamora en cada fotograma y que desprende una luz de fragilidad y misterio a la misma vez, todo un cúmulo de sensaciones que al igual que el protagonista interpretado por Welles, hagan que el espectador se desviva por ella, y se deje conducir por esta atracción de feria (como al final del film) tan bien montada y estudiada al milímetro argumentalmente hablando. Elementos del film, muy interesantes, que trata el libreto. El existencialismo de TODOS los personajes, en parte acabados y con una vida muy ruin y perdida. El protagonista, es el manzano caído del árbol, un marinero convertido en asesino (con guiño a la España franquista, Welles tenia bastante consideración con nuestro país) por su supervivencia. Ver como este hombre de buenos valores y sentimientos se mete en un lío de asesinatos y desconfianzas (un títere de la sociedad burguesa) es uno de los mayores logros del film. Ver como acaba todo, enlazar los fantásticos monólogos y diálogos que Welles (las maravillosas voz en off tan inteligentes y bien metidas en la trama, no como ahora, que siempre está para tratar como imbéciles al espectador) las maravillosas reflexiones que sueltan dentro del film, sobretodo dos, uno cuando se hace la metáfora de los tiburones, y el otro cuando Hayworth habla del amor en el barco:

"Hayworth: Me enseñaron a pensar en el amor en chino...
Welles: Pensaba que eso era cosa de franceses
Hayworth: Los chinos dicen: "Es muy difícil que el amor dure, por tanto el que ama apasionadamente, al final se librará del amor".
Welles: Es un modo terrible de pensar.
Hayworth: Hay otro proverbio que dice: "La naturaleza humana es eterna, por tanto el que conserva sus instintos, conserva su naturaleza original, hasta el final".


Diálogos imprescindibles, metafóricos y cargados de sutiles eufemismos del cine clásico, de esos que son recordados y representativos dentro del contexto de la película. Esenciales para entender la mejor parte de la película (decae quizás un poco en la correcta parte del juicio, un recurso en el que hay ya muchas películas donde muestran demasiado este proceso, aquí no molesta demasiado, pero rompe un poco la dinámica oscura y agobiante de la película) su excelente final. Un final donde Welles critica la avaricia, los celos, la perdición por el poder, y rodea a los personajes en un entorno onírico, lleno de espejos, confundiendo el juicio final hacia los personajes que el espectador pueda sacar y resolviendo perfectamente los misterios, la verdad con unos planos impresionantes, muy creativos, donde Welles demuestra lo bien que se defiende tras la cámara siempre, todo un genio (esos primeros planos, la grúa tan al estilo Welles, los cortes de montaje, las aceleraciones del celuloide en las escenas de acción, pragmáticas y brillantes para un film de finales de los 40). Si el personaje de Welles consigue con su pesimista versión del mundo (de hecho hay una parte del film donde se habla del suicidio, del fin del mundo o de la caída del ser humano ante el poder, temas de actualidad y de siempre) lo salven de la perdición de una tremenda femme fatale (calculadora y culpable en muchos aspectos de lo que pasa en el film, pero igualmente fascinante, de esos papeles femeninos tan memorables que el Hollywood de hoy ha parecido olvidar para siempre). Welles cierra en la atracción (memorable escena y la que da todos mis puntos al film, excepcional sin dudas) de feria, con un magnífico monólogo en off final y con la esperanza en los dedos hacia el protagonista. La visceral historia, la claustrofobica visión del mundo, y el cine noir como medio de transporte para toda la magnificencia del libreto de Welles. Una maravilla.

Del reparto, obviando a los dos pilares (Welles y Rita Hayworth, que están sensacionales los dos, sobretodo Rita), no puedo irme sin hablar de los magníficos secundarios, llenos de carisma, vida y de protagonismo. Everett Sloane como el mítico criminalista (y marido del personaje de Hayworth en el film). Glenn Anders como el excentrico personaje de Grisby o Ted de Corsia como Broome. Un reparto perfecto y memorable. De la dirección de Welles, nada que aportar que ya he podido nombrar antes, su realización es concisa, precisa (el uso de la fotografía tanto en interiores y más aún en exteriores, es sublime) la cámara no deja de moverse, el montaje es dinámico y preciso, un realizador muy pragmático para la época, lo cual es flipante. No llega a la altura técnica de "Sed de Mal" o "Ciudadano Kane" pero igualmente es fantástica.

"La Dama de Shanghai" es un inteligente film noir dirigido por un creativo e inspirado Orson Welles, que se vuelca en la historia y en su personaje de manera impecable y con mucho amor y pasión al cine. El elemento crítico, pesimista, frío y determinante de la historia, la elevan muchos puntos, y la convierten en un film emblemático para el género, quizás distante y menos cálida que otros films de la época, pero es por ello de sus méritos y grandezas. Toda una joya, que de no ser por la parte del juicio (que se alarga un poco, pero es genial también) sería redonda. Un 9,6.

"Verán, una vez bordeando las costas de Brasil, vi el océano tan oscurecido por la sangre, que parecía negro y el sol se ocultaba tras la línea del horizonte. Nos detuvimos en Fortaleza y varios marineros sacamos los aparejos para pescar un rato. Fui el primero en coger algo. Era un tiburón, luego apareció otro, y otro y otro, hasta que todo el mar se llenó de tiburones y no se veía el agua. Mi tiburón se había soltado del anzuelo. Y el olor, o tal vez la mancha, porque sangraba a borbotones, hizo que los otros enloquecieran. Los animales empezaron a comerse los unos a los otros, en su locura, se comían a sí mismos. Se sentía el frenesí del asesinato como un viento que hería los ojos, se olía el hedor de la muerte emanando del mar. Nunca había visto nada peor desde la reunión de esta noche. ¿Y saben una cosa?, ninguno de los tiburones enloquecidos sobrevivió."


NOTA:9,6/10
AÑO: 1947
DURACIÓN: 87 min
Ficha en IMDB
Galeria Fotos
Tráiler en Youtube



2010/05/25

El paso al HD

Me apetece seguir un poco el debate sobre el tema del vídeo en alta definición (HD), porque si al principio defendía su excelente calidad, luego volví a pensar que se trataba de un formato que le costaría arrancar (y de hecho le está costando), hasta que luego tuve que pensar, que tarde o temprano se impondría como todo, y que como realizador en vídeo pues me tendría que informar al menos un poco autodidácticamente del tema. Ver "Avatar" en HD en cualquier tienda donde la exponen, es sencillamente brutal, la calidad de la película, los contrastes, la definición, se te cae la baba. Luego he podido ver (supongo que será problema de alguno de los televisores) que la imagen al no estar tratada como en el DVD al sistema PAL (creo) a veces sale como acelerada aunque su ritmo parezca el correcto, pero a mi me da la sensación de que la definición es genial, los fondos se ven nítidos, pero los actores (o personajes de animación que es donde más se nota esta cosa) van como acelerados en pantalla. Si alguien comprende el fenómeno me encantaría saber porque pasa, o que se debe exactamente. Volviendo al tema, he podido editar hace poquito, mi primer cortometraje rodado y procesado directamente en este formato, concretamente no a FULL-HD pero si a 720p. El resultado es fantástico, la definición se nota con diferencia (sobretodo al volcar la información a un DVD con 10 Mbps de transferencia). Ahora, el proceso parece que va con cierto marketing engañoso que no me gusta (sacan primero las teles en HD, luego en FULLHD, luego la TDT normal, ahora anuncian la TDT-HD), con lo cual el comprador tiene que comprar aparatos cada poco en un corto tiempo, engañoso y fatigoso es, a mi me cansa. Estoy a favor del formato, se impondrá como todo, pero cuando leo que después del HD, y más concretamente en 2015, se empezarán a lanzar las nuevas películas y reproductores en lo que denominan, Quad HD. El Quad HD reproduce vídeo de resolución 3840×2160, unas cuatro veces más información que el actual HD y en progresivo (2160p). Lo leo y me pongo de mala hostia, porque con el HD pasa una cosa, que se pierde la magia y el realismo de la imagen denota todos los artefactos del cine o los eleva a cantidades que quizás no sean excesivamente necesarias del todo en una televisión para tu salón, para ver el vídeo en una resolución de 3840x2160 yo prefiero ir al cine, la verdad, pero bueno esto es como todo, se impondrá, tiempo al tiempo. Yo aún disfruto de mis DVD y del 5.1 en AC3 comprimido de toda la vida.


2010/05/24

"Lost: The End": Namaste y hasta siempre

Pues ya está. Se acabó para siempre. Cuando aún muchos de nosotros estamos todavía en estado de shock y con horas de sueño por completar debido a la emisión en directo del episodio final de la serie, "Lost" llega a su final como siempre, rodeado de polémica y teorías de todo tipo que dejan aún más si cabe, la vereda de la especulación o de las teorías hacia lo que no nos han resuelto, o simplemente a todo lo que se nos ha expuesto en el trepidante e impecable episodio final de dos horas (pese a los fallitos de retransmisión de cuatro al emitir en directo a la vez que en USA el episodio y subtitular la versión original con más pena que gloria simultáneamente). A partir de aquí, podéis dejar de leer aquellos que no hayáis visto el final del serie, aquí os resumo lo que me ha transmitido la sexta temporada, el final y en definitiva mis emociones ante lo que han sido seis años acompañando a Jack, Locke, Sawyer, Kate, Hugo y compañía en la misteriosa isla.

UNA SEXTA TEMPORADA MÁS ACORDE CON LA SERIE:

Después de la nefasta quinta temporada (de la que solo salvo el episodio que cerraba la misma), la sexta abría de forma espectacular, con la isla enterrada bajo tierra y la misteriosa línea temporal alternativa que colocaba a los "losties" en una realidad paralela donde sus vidas parecían inevitablemente que se cruzarían las unas y las otras. El tema de las constantes me parece mucho más interesante que los viajes en el tiempo tan liosos y poco originales de la quinta temporada. Aquí el nexo de unión de todo el batiburrillo que presenta la final, coge cierto peso, cierto sentido, nuevamente, y como viene siendo habitual en Lost, formulando más preguntas que respuestas, y creedme, de eso se trataba. La mayoría esperábamos respuestas, como todo en la vida, siempre las esperamos. A veces lo magistral es lo inexplicable, lo contestado, lo más sencillo. Esa es la premisa de la que ha ido bebiendo Lost, conjurando con más o menos éxito su gancho hacia el público y teniendo SIEMPRE un contexto no mitológico (pues esto se ha visto claro al final, que viene a ser secundario) si no más bien un contenido moral, filosófico y existencialista, amortizados por el destino, el azar y a su vez la fe en las personas. "Lost" no ha dejado nunca de ser una serie que habla de las personas, de sus miedos, instintos e inquietudes, y la isla, como BIEN queda explicado en uno de los episodios claves de la sexta temporada (ese en el que se narra la historia de los dos hermanos y su madre en tiempo inmemorables, Jacob y el hombre de negro...) es un punto representativo que simboliza la fe del hombre ante el milagro del destino, ante la belleza y luz de la vida, ante el horror de la corrupción, la muerte y la reencarnación. La isla es una tela de araña donde se muestran explícitamente lo que se puede ver en la realidad, y lo que no se puede ver más allá de la razón, cuando hay que dejar que la fe y la confianza pongan en juego el cambio, el progreso...

EL FINAL DE TODAS LAS COSAS:

Y es entonces ahí, cuando entran en juego los personajes de la serie, cuando la evolución hacia lo que han ido creyendo cumple su función dentro de sus destinos. Los personajes se redimen, aceptan su condición, y se sacrifican por no estar perdidos, por estar todos juntos en el final de todas las cosas, cuando el jueguecito de dos niños (Jacob y su hermano) no era más que eso, cuando la isla debe estar cuidada de manera natural y en armonía (Hurley y Ben encuentran lo que siempre han deseado hacer en toda la serie, cuidar de la isla y ser alguien en sus vidas, en el caso de Ben, redimiendo su pasado y aceptando el cambio a mejor). Mucho he leído de que si todo ha sido un sueño de Jack, que si todos estaban muertos justo cuando el avión se estrella en el primer episodio. Error. Para mí, la línea temporal representa como su propio nombre indica, una línea alternativa, imaginaria pero igualmente real (algo similar a lo que pasaba en la segunda parte de "Regreso al futuro"), la isla existe, todo lo que pasó en ella ha pasado. Cuando Jack se enfrenta a su destino, consigue hacer lo que siempre prometió, ayudar a sus amigos a salir de la isla a cambio de su vida. Así, la escena del "funeral" con los losties en la iglesia, representa no el presente, no el pasado ni el futuro, sino un "no momento" existente y a su vez existente que coloca de manera dramática y catatónica a todos los personajes, pudiendo así despedirse para siempre y estar todos juntos, al final lo que importa, siempre, antes de morir, son las personas que te acompañan en la aventura. Terminada la tragedia en la isla, Jack decide morir justo donde empezó todo, como un circulo que llega a su fin de manera armoniosa (la isla está por fin en armonía con el mundo) pero a su vez angustiosa, triste, en esos planos finales donde ve marcharse el avión que lleva a sus amigos y a su verdadero amor, Kate. La realidad paralela desaparece (o se cobra la vida natural de todos en un hipotético limbo), Desmond vuelve con su familia saliendo de la isla en su bote, Claire podrá cuidar de su hijo, Sawyer consigue salir sin más problemas al igual que Richard, Lapidus y Miles. Rose y Bernard están en puro Nirvana con la isla y allí vivirán hasta el fin de los días junto con Vicent, Hurley y Ben Linus.

POST-LOST (LA RESACA O REFLEXIÓN):

Si lo pensamos, el verdadero protagonista total de la coral serie, siempre ha sido Jack. El anti-héroe y a su vez el héroe del show y del capitulo final. Poco deben importarnos los misterios de la isla que quedan en el aire, si entendemos todo desde el punto de vista de Jack, un hombre de ciencia que decide hacer un acto de fe y creer en que las preguntas de la vida, eso que hacemos porque lo sentimos, es verdaderamente la única respuesta ante todo, y que el amor prevalece al final, llenando todo los huecos, obviando el circulo vicioso/religioso que envolvía el tema de Jacob, la isla, los números o la fuente de poder electromagnético (esto no es más que la ambición nefasta del ser humano representadas a gran escala en las particularidades de la isla y en toda la fundación Dharma, incluyendo a los Otros en todas sus etapas y épocas). Jack se entrega, y si el espectador accede a sacrificarse por las emociones, el dramatismo de la propia vida, o por la inercia de las cosas, todo tiene sentido, "Lost" cierra todo lo empezado, y las preguntas sin respuestas parecen importar poco cuando conocemos el valor humano de los personajes. Guión que por cierto, abarca con fortuna y completa el ciclo de casi todos los personajes que han ido apareciendo con mucha espontaneidad.

Como último comentar la polémica, tras el final. Yo esta mañana (terminando el capítulo sobre las 8:00 o asi) pude ver un poco del debate que cuatro preparó en un programa especial que acontecía poco después del episodio, donde muchos de sus colaboradores se sentían decepcionados, achacaban que Jack y el resto siempre habían estado muertos, o que todo había sido un sueño difícil de digerir. Yo me pregunto, si de verdad estos supuestos fans, han entendido la serie, sus contextos e introspecciones, yo me he enrabietado como el que más con la serie (de hecho detesto muchos capítulos y la quinta temporada), pero puedo deciros que como fan, la serie tiene un final muy digno, reflexivo y que funciona como nexo o contrapunto a dejar que el espectador piense por sí mismo sus propias conclusiones (Está visto que hoy en día, eso de pensar viendo la tele o en el cine no es algo factible, por desgracia) cosa que admiro de verdad, es lo mejor que se podía haber hecho para contentar al mayor número. Final facilón, previsible, incompleto, decepcionante, se ha dicho por ahí. Bueno, yo lo veré de nuevo, ya con buenos subtítulos y con mis tesis bien pensadas, masticadas y bien digeridas (Cuando recupere el sueño también), ahora, no entiendo muy bien porque la gente no se para a pensar, a madurar la serie y a reflexionarla personalmente con el fin de buscar un sentido a lo inexplicable o darle un conjunto global muy positivo. El capítulo lo ha dado todo para todos: Ha tenido emoción, lágrimas, acción, respuestas (en menor medida, pero las ha tenido), felicidad, tristeza y en definitiva, puro "Lost", nada que envidar a los primeros, o de hecho, nada que envidiar al capítulo piloto (pues todo termina como precisamente todo empezaba). Tengo que mencionar (si no me moriré) al gran Michael Giacchino por su tremenda labor en el episodio final, vaya épica, vaya momentazos musicales, casi las dos horas de metraje sonando fresco, sin parar, increíble lo de este hombre, que cierra así con un score poderoso a la serie que le dio la fama y la gloria. Destacar también la fabulosa dirección de Jack Bender, un habitual director de la serie que siempre nos ha dejado los mejores episodios a lo largo de las seis temporadas, de hecho el capítulo final, es de lo más currado a todos los niveles que he se ha podido ver en la serie. No se puede pedir más, estoy bastante satisfecho con el final, eso sí, muy triste porque todo se ha acabado, y quieras o no, te has encariñado con los personajes, has adaptado tu momento Lost a los quehaceres de tu vida y el viaje ha sido largo, mucho a pasado desde entonces. Jack, Kate, Sawyer, Locke, Hugo, Michael, Claire, Charlie, Sayd, Desmond, os echaré de menos siempre. ¡Namaste Lost y nos veremos en otra vida, hermanos!

2010/05/23

"Laura": Una escalera social al retrato oscuro del amor

Os traigo la primera de las cinco películas que seleccioné como antesala al estreno este Viernes de nuestro corto "Deseo" dedicados al ciclo de Mayo Noir. Y lo hago con esta joyita del director Otto Preminger, y su fantástica e intrigante película, "Laura". Curiosamente, el film nos sitúa en los hechos sucedidos en un Viernes, cuando el detective Mark McPherson investiga el asesinato de Laura, a quien encuentran muerta en su apartamento en extrañas circunstancias ese fatídico día. McPherson elabora un retrato mental de la joven muerta a partir de las declaraciones de sus allegados. El penetrante retrato de Laura que cuelga de la pared de su apartamento le ayuda en esta tarea. ¿Pero quién hubiera querido matar a una mujer de la que, aparentemente, se enamoraron todos los hombres que conoció? Para empeorar las cosas, McPherson también cae rendido ante su hechizo. El fabulosamente rematado e inteligente libreto de Jay Dratler, Samuel Hoffenstein y Betty Reinhardt basado en la novela de Vera Caspary, es todo un alarde de técnica, efectismo con buen sabor de boca, diálogos que parecen corazas de lo bien rematados que se encuentran dentro de la historia (que va soltando sus armas poco a poco, pero sin perder el interés hacia el espectador en cada pista y sin ser tan tremendamente compleja y enrevesada como por ejemplo "El Halcón Maltés" un referente dentro del género). El subtexto amoroso es de lo más interesante, tenemos como hilo conductor al policía que investiga el asesinato, el rudo e ingenioso policía que acaba enamorándose de la verdadera protagonista del film al que da nombre la película, Laura. Una femme fatale que no lo es tanto, aunque la película juegue inteligentemente con el espectador para que este imagine que es la causante del tinte oscuro del film. El amor como decía, se expone a niveles, a clases sociales, y la belleza que Laura posee, es ni más ni menos que el desencadentante de que el cliché expuesto en el género aquí se doblegue hacia otros derroteros más interesantes y complejos (la perdición del hombre burgués ante la simplicidad, la humildad y la belleza de una mujer fabulosa sin medias tintas, es algo que choca ver en un film de estos años, lo cual la sorpresa es grata). Cada secundario está perfectamente integrado en la historia (como pasa en las buenas películas del cine clásico), cada uno aportando gran calidad al diálogo y a la acción. La resolución final nos viene a decir que el ser humano es capaz de hacer cualquier locura por el amor, o más bien por poseer aquello para lo que no está hecho. El canto a la libertad de Laura, la reivindicación del progresismo social que infunde el film hay que verlo con lupa, porque lógicamente en aquellos años, el subtexto y lo introspectivamente sutil lo era todo para disfrutar mentalmente (hoy en día esto se ha perdido por desgracia).

En definitiva, el guión explora muy bien la crítica en contra de la presunción, los alardes de la arrogancia, y esta en pro a la justicia, la humildad y a la sinceridad del amor de una manera tan clarividente y a su vez cinematográfica, que se añora de manera quimérica (porque obviamente se trata de una película no lo olvidemos) que la vida nos regale momentos como los que acontecen a los personajes del film. Dentro de el cocktail del libreto, arrancamos una mueca al ver que se trata de una historia genial que contiene todos los elementos clásicos del cine negro (incluyendo ese misticismo por los retratos, los cigarrillos, las miradas de las femmes o la innata chulería innata de los detectives) pero que a su vez, explora caminos muy sorprendentes y raros del género, lo cual la lleva a un nivel distinto, adulto, maduro, de pocas palabras pero las que hay concisas, interesantes. Y dando vida a los fantásticos y carismáticos personajes, tenemos a la actriz Gene Tierney, una guapísima protagonista que llena la pantalla de una magia especial, hipnotizante su presencia y fantásticamente interpretada, un papel que rompe reglas del (para mi) genial estereotipo femenino del cine negro, lo cual ya es mucho. El policía que lleva el caso, lo interpreta un socarrón Dana Andrews, que se limita a seguir la linea argumental en su papel de chulo y enamoradizo agente de la ley con buenos valores (a lo Bogart, pero sin llegar a ese grado tan perfeccionista del marido de Bacall). Le siguen unos secundarios sorprendentes, el burgués y pedante personaje (decisivo para entender la introspección de la historia y de lo que se cuenta en el mensaje moralista del film) de Clifton Webb, genial aportación. Además tenemos en la pantalla a un jovencísimo Vicent Price, el mítico actor que luego sería icono de multitud de film en el género fantástico y de terror.

La batuta de la dirección corre a cargo de Otto Preminger, un artesano de la industria, y se nota. Sus planos se mueven con dolly por los excelentes decorados de estudio de calles con aceras anchas y farolas que iluminan la torrencial lluvia exagerada de las películas de gangsters. Es curioso como su fórmula teatral cuando los personajes hablan (y los correspondientes planos cerrados a los rostros de los personajes cuando estos tienen algo que decir con la mirada) se lleve tan meticulosamente hacia el camino del detalle (el juego infantil que el policía saca en varios momentos de la película es una manera de identificar la personalidad del personaje, los barridos rápidos en dos momentos clave del film para definir a uno de ellos, donde el lenguaje cinematográfico sutilmente hace desenmascarar al asesino a los pocos minutos del film sin que nadie se de cuenta de ello, desestabilizando la cámara...muy inteligente). Una profunda y estudiada realización, que nuevamente no deja nada encharcado para que el espectador pueda divagar por el metraje, un trabajo artesanal, clásicos, de esos que son tan impecables que merece la pena respetar. Ojo al uso del suspense en dos momentos del film (antes de que Laura haga acto de presencial en la linea temporal presente del film, o los últimos dos minutos de película, muy buen uso del pulso narrativo sin ningún punto artificioso en la realización).

Como última cosa, destacar la escena eliminada que ha sido insertada a bocajarro en la edición en DVD de la película o en las copias que pululan por la red, para mi bastante acertada y la verdad, no entiendo mucho porqué la cortaron (supongo que por ¿La censura? no estoy muy seguro). "Laura" es un film que explora con inteligencia la inestable forma de vida tan burguesa y violenta de la sociedad americana de los años 40. Dentro del relato oscuro, el amor es el medio de transporte que salva los tintes negros, y pone como contrapunto una buena idea para preservar dentro del extenso archivo del cine clásico Hollywoodiense que tantas buenas películas dio en su momento. Altamente recomendable, personalmente no llega a ser una obra maestra dentro del género, pero tampoco lo pretende al ser completamente humilde, aunque poco le falta. Cine de calidad, eso si, muy disfrutable. Un 9,5.

NOTA:9,5/10
AÑO: 1944
DURACIÓN: 88 min
Ficha en IMDB
Tráiler en Youtube



La noche perdida: "Lost" se acaba

Sí amigos, muchos años han pasado ya desde que empezara a ver "Lost", una serie que me ha ido acompañando durante una etapa de mi vida como supongo que a muchos otros fans que hemos seguido asíduamente la serie creada por J.J. Abrams. "Perdidos" acaba esta noche, el esperado capítulo final de dos horas y media que pondrá el punto y final a un millón de incógnitas, a seis temporadas (algunas memorables, otras no tanto) cargadas de emoción, en definitiva, hoy se acaba definitivamente la serie. Y por ello, cuatro se ha volcado (hay que reconocer que se están portando con la serie de la ABC, aunque con otras como "Dexter" por ejemplo, bien que la han maltratado... injustamente claro...) en una noche para fanáticos y trasnochadores (me incluyo). A partir de las 2:50 de la noche de hoy al Lunes, Cuatro emite una programación especial dedicada a la serie en un evento nunca antes visto en televisión, y un acontecimiento único, antentos: La noche arrancará a las 2:50h con un programa especial que sintetizará, en poco más de diez minutos, las claves de las seis temporadas de Perdidos. Como antesala al doble episodio final, a las 3:00h arranca la emisión de los capítulos de la sexta temporada inmediatamente anteriores al desenlace: Todo el mundo quiere a Hugo (episodio 12), El último adepto (ep. 13), El candidato (ep. 14) y Al otro lado del mar (ep. 15). En esta noche especial, Cuatro estrena también en versión original subtitulada en castellano, What they died for (título original) (ep. 16), dirigido por Jack Bender, el mismo realizador que dirigió los célebres capítulos A través del espejo y La constante. El estreno de What they died for (epis 16) será a las 05:45. El momento que todos los incondicionales de Perdidos llevan años esperando, y que supone un hito en la historia de la televisión de nuestro país, llega a las 6:30h. Cuatro emite, en versión original y con subtítulos en castellano incrustados, el doble capítulo encargado de poner el broche de oro a la serie, titulado, precisamente, The end. Escrito por los creadores de la serie, Damon Lindelof y Carlton Cuse, y dirigido por Jack Bender, The end se divide en dos partes de aproximadamente 50 minutos. Esta emisión sólo será interrumpida entre la primera y la segunda parte por un corte de dos minutos aproximadamente en el que la cadena jugará con los fans de la serie. Cuando The End llegue a su fin, Cuatro hará su despedida personalizada a Perdidos dedicada a sus fans y producida por el equipo de autopromociones de la cadena. Durante La noche perdida, todas los identificativos, cortinillas y elementos de continuidad de Cuatro rendirán homenaje a Perdidos y no dejarán de sorprender a todos los espectadores de esta maratoniana velada.

Pues nada, poco más se puede decir, me voy a recuperar sueño para trasnochar mañana, haré café, compraré mil porquerías (pipas, cacahuetes, palomitas xD) y estaré plenamente enganchado a la maratón hasta que salga el sol para ver el destino de Jack, Sawyer, Kate, Hugo, FLocke, Desmond, etc... os echaremos de menos de eso estamos seguros. Sobre la sexta temporada, os hablaré el Lunes (incluyendo lo que me pareció el ansiado y seguro polémico, final de la serie), como adelanto, muchísimo más interesante y emocionante que la decepcionante quinta temporada (la peor de todas en mi opinión). ¡Venga, a perderse mañana chicos, Namaste y buena suerte!

+ Info en la completa web de "Perdidos" de Cuatro

Banda Sonora de "Deseo"

Ayer, pre-estrenamos "Deseo" con mucho éxito en ESAEM. La aceptación del público parece que ha respondido con contundencia y mi alegría es magna. Su estreno oficial en la red, está previsto para el día 28 de este mes (la semana que viene) y estoy deseoso (valga la redundancia) de que lo veáis ya. Mientras, para hacer la espera más cortita, os dejo con la selección de temas de la banda sonora que acompaña al cortometraje (podéis bajarla si queréis desde megaupload). Dos de los temas principales del metraje, son cantados por Peggy Lee con "Just One More Chance", y Katie Lee abriendo con un tema que llevaba meses obsesionandome y que finalmente he podido introducirlo en alguna historia mía "It Must Be Something Psychological". El resto, una remezcla propia de varios compositores de música clásica (que conforman el score único, al ser una composición de varios efectos y fragmentos musicales de estos compositores). El mix lo forman Boris Berman, Vemeer Quartet, Alfred Schnittke, Mark Isham y Krzysztof Penderecki. Espero que os guste y os deje con ganitas del corto. Para lo más precavidos, esos que prefieren oír el score después de ver el corto, siempre podéis guardar la descarga y oírla tras el estreno. ¡Rápido que lo quitan fijo!, que lo disfrutéis.

¡Ah, por cierto!, a partir de mañana y la semana que viene, os traigo los títulos de cine noir que he prometido realizar su análisis. Así vamos entrando en materia antes del Viernes. Prometido.

Reubicando a James Horner

Os quiero hablar hoy de un tema que me tiene bastante pensativo últimamente, y del que me he declarado quizás erróneamente en el blog durante una temporada. Os quiero hablar del mítico compositor cinematográfico James Horner. Mis palabras (y supongo que la de muchos fans) han ido situando al maestro Horner en el ojo del huracán, ya que sus últimos 10 años, quizás más, fuesen para mi una decadencia ingrata de sus partituras dentro de sus films. Quizás este hecho subjetivo tenga una base real, pero en cierta medida, quiero reubicar un poco a Horner, porque creo que de nuevo, está tomando un camino interesante, eso si, sin dejar de cometer fallos que no entiendo muy bien porque los hace. Uno de esos fallos, y evidente, es reciclar su propia música para meterlas en otros films. Y para comprobarlo, me remito al tema más reutilizado por Horner, son las trompetas tajantes y inquietantes del tema de los villanos de Willow (minuto 1:35 del link aprox.) , inclusive se podían oír de la misma forma en la actual "Avatar" (Minuto 5:40 del link para comparar) y un sin fin de films diferentes anteriores con la firma de Horner. Repasando sus inicios, Horner se hizo famoso por poner música a las secuelas de "Star Trek", o su trabajo para Ron Howard en "Cocoon". Pero donde de verdad Horner destacó, fue como no, a la verita de James Cameron (quizás su verdadero descubridor de cara a la industria de Hollywood), en el que para mí, es el padre de todos los films de acción-ciencia ficción, "Aliens: El regreso", trabajo inmejorable, mil veces imitado e impactante score por el que Horner optaría merecidamente al Oscar de la academia. No hay más que oir el Main Theme para saber lo mítico de las desconcertantes, fantásticas y terroríficas notas de la batuta de Horner.




Más tarde, vendrían muchas enormes bandas sonoras, como la citada "Willow" de nuevo con Ron Howard, "Campos de Sueños" (Donde conseguía de de nuevo la nominación al Oscar), y así, Horner entraría en la que se podría decir, es su etapa más creativa y prolífica (la que le dio la gloria y el anunciado Oscar), los años 90. Yo destaco aquí sus más valiosas aportaciones al cine, con el fantástico Score de "Leyendas de Pasión" del siempre genial Edward Zwick, un film que gana puntos ya solo con la fantástica orquestación y las notas melosas y sentidas del compositor. Más tarde, Spielberg se fijó en él para dos de sus producciones, "El guardián de las palabras" (película de mi infancia) y la mágica "Casper" de Brad Silberling (otra película de infancia), donde incluso el propio compositor se reinventaba y ponía toda la carne en el asador con una partitura tan preciosa como perfeccionista. Entre medias y ese mismo año, nos regaló tres grandes Scores más, "Apolo 13" (De nuevo con Ron Howard) que le valió una doble merecida nueva nominación a un Oscar que ya le tocaba, que se consumió también con la nominación simultánea por "Braveheart" de Mel Gibson. Uno de los mejores Scores de Horner, donde ya quedaban patentes las señales de su enorme talento, dejando el listón por los aires, insuperable, en especial me quedo con los dos (1)(2) temas finales del mítico film sobre la vida de William Wallace, sublimes. Ese mismo añito (1995) el soundtrack de "Jumanji" (por enésima vez, otra peli de infancia) cerraría (personalmente) esos tres grandes scores que nos regaló sin descanso.




James Cameron, volvió a llamarlo para su siguiente y recordado éxito. Con "Titanic", Jamer Horner se coronó definitivamente consiguiendo el Oscar a mejor canción y Banda sonora original, con un portentoso y extenso score que sin lugar a dudas es casi lo mejor que tiene el sobrevalorado film de Cameron. Y es a partir del 97, donde Horner supuestamente pierde el interés para el que escribe, pues sus años posteriores no han sido muy recordados o destacables. Error. Me equivoqué estrepitosamente. Si que es cierto que a partir de aquí, Horner ha mostrado cierto cansancio en sus partituras y el famoso reciclaje por el que todos sus seguidores nos vemos bastante incómodos. Recapitulando, he escuchado algunas buenas bandas sonoras que Horner lleva aportando a la entrada y actualidad del siglo XXI. Hay está por ejemplo, la curiosa partitura de "El Hombre Bicentenario", quizás excesiva en cuanto a lo presencial de la "épica" que imprime Horner al film interpretado por Robin Williams, que no obstante contenía algún que otro tema muy destacado. La sobreexplotación de la falsa épica que no compasaba mucho con lo que se veía en pantalla, se ve reflejado en los mediocres y "machacones" scores de "Deep Impact" o "Mi gran amigo Joe" (1998 ambas), salvando el año con la partitura de "La Máscara del zorro" de Martin Campbell, que fue bastante correcta. Ya metidos en el año 2000, con "La tormenta perfecta" Horner levanta un poco el vuelo, probando nuevas cositas (metiendo algunas guitarras a su ya marcada tendencia por la epopeya musical), la música de esta peli es un buen ejemplo de que Horner cuando quiere, puede sacar algo realmente extravagante, no muy destacado, pero si muy interesante. Más tarde, volvería a perderse con el score de "El Grinch", y personalmente abusando del reciclaje en la música de "Enemigo a las puertas", donde definitivamente parecía que Horner decaía bastante. Se recupera con suerte en el año 2001 y 2003 con dos nuevas nominaciones por la música de "Una mente maravillosa" (De nuevo, el amigo Ron Howard) y por "Casa de Arena y niebla" una genial partitura. Desde el 2003, quizás aquí sea el verdadero bajón de Horner, explorando nuevos sonidos (la mitad de ellos reciclados nuevamente) con Scores que me defraudaron, como por ejemplo, la secuela del zorro "La Leyenda del Zorro" donde Horner estaba ya agotadillo y dormido durante el film, "Plan de vuelo: desparecida", nuevamente exageradas notas de un Horner perdidillo. "Apocalypto" (2006) una de las peores bandas sonoras que yo he podido oir de un gran maestro, muchos la consideran de ensayo, un gran score étnico, a mi me pareció aburrido y mediocre. En "Todos los hombres del rey", Horner se marca varios temazos , pero adolece del reciclaje, reutilizando el tema de Braveheart sin justificación alguna dentro de uno de los temas más gloriosos del Score (Minuto 5:10). De esta etapa más chocante, me quedo con el fabuloso score de "El nuevo mundo" de Terrence Malick (Este si que es un ost genial étnicamente hablando pese a al recurrente reciclaje o los tediosos pajaritos que inserta dentro del score). También me quedo con la partitura de "Troya" (2004) donde Horner estaba algo cansadito y repetitivo, pero a mi personalmente me gusta por varios temas, en concreto tres que me parecen muy gratificantes (1)(2 aquí empezando de nuevo con el reciclaje del tema ya comentado de Willow) y (3 magistral), obvio la canción cantada que acompañaba los créditos del film, que me parece una horterada total.






Y finalmente, "Avatar", el film que ha conseguido despertar con suerte a un Horner más decidido y recolocado por el buen camino (de la manita de James Cameron, como no) que le ha valido su novena nominación al Oscar. El Score es sencillamente completo y recomendable de oir, Horner parece volver un poco a utilizar su música con inteligencia y algo de originalidad (cosa que seamos honestos, ha ido perdiendo en demasía con el paso de los años y de manera descarada). Quizás sea eso lo que más me sorprendió del film revolucionario de Cameron, la recuperación de Horner, y para mi eso es una alegría y un sorpresón cuando no esperaba gran cosa del score de "Avatar". Y de aquí en adelante, me llama la curiosidad por ver hacia donde tira el compositor, si volverá a dejarnos buenos trabajos, o por el contrario volverá al reciclaje y la mediocridad conformista de sus últimos años. De lo que no hay duda, es que nos ha dejado ya un legado inmenso de buenas melodías, que os gusten o no, tendrán cabida en la historia del cine mundial.